quinta-feira, 22 de dezembro de 2011

Dimensão Experimental e o FSMT



O grupo Dimensão Experimental vai participar do Fórum Social Mundial Temático que vai acontecer em Porto Alegre entre os dias 24 e 29 de janeiro de 2012, apresentando Música, Cinema e Memória. Falta acertar a data mas o local será na CCMQ a noite. Os filmes que serão performados são os seguintes: Tusalava de Len Lye (1929), Inflation (1928) de Hans Richter, H2O de Ralph Steiner (1929), Anemic Cinema (1926) de Marcel Duchamp, Limite (1931) de Mário Peixoto (uma sequência de 8 minutos), Les Mystères du Chateau du Dé (1929) de Man Ray e Swinging the Lambeth Walk (1939) de Len Lye.

Dimensâo Experimental

Limite de Mário Peixoto (1931)

Len Lye

Tusalava de Len Lye (1929)

Inflation de Hans Richter (1928)

H2O de Ralph Steiner (1929)

Les Mystères du Chateau du Dé de Man Ray (1929)

Anemic Cinema de Marcel Duchamp (1926)
Boa entrada de ano para todos.

Dimensão Experimental - Reminiscências, mudança de formação e boas festas

Limite (1931) de Mário Peixoto


Klaus Farina no Poetar em 1991 no teatro Renascença. Da direita para a esquerda: Maurício Tibé (saxofone), Klaus Farina (piano) e Paulo Pink (violão). Foto: Dario Bandeira.

Dimensão Experimental em 1995 da direita para a esquerda: Ricardo Missel (baixo), Álvaro Saboia (gaita de boca), Klaus Farina (piano) e Fernando Silva (guitarra). Foto Dario Bandeira

Neste final de ano o grupo Dimensão Experimental deseja aos amigos e simpatizantes boas festas. Estamos trabalhando em nova casa. O novo estúdio Tebalta já está funcionando os ensaios iniciaram na semana passada dia 12/12/2011 visando a temporada de 2012. Comunicamos que José Altamiro deixou o Dimensão Experimental por motivos de distância física. José Altamiro reside no município de Alvorada e o deslocamento estava se tornando um problema para ele. Assim em comum acordo ele deixou o grupo de forma amigável, sendo que poderá retornar para futuros trabalhos com o Dimensão Experimental. Ficou decidido que para ocupar seu posto de percussionista no Dimensão Experimental foi escolhido Mozart Dutra (ele assumiu o posto nesta ultima segunda dia 19) que já trabalha com o grupo colocando o som no projeto Música, Cinema e Memória alem de desenvolver o projeto Música Autoral/jornal Vaia no teatro de Arena . Em breve vamos postar um biografia do Mozart. O grupo Dimensão Experimental trabalha com o aperfeiçoamento do projeto Música, Cinema e Memória com a pesquisa de filmes experimentais não só dos anos 20 e 30 do século passado mas também de outras décadas anteriores e posteriores. Já estamos ensaiando um fragmento de 8 minutos e meio do filme Limite de Mário Peixoto (tem aproximadamente 2 horas de duração)de 1931 com música autoral e arranjos próprios. Neste ano a obra de Mário Peixoto completou 80 anos e o filme foi performado ao vivo com um trilha sonora assinada pelo norueguês Bugge Wesseltoft e com a participação do genial Naná Vasconcelos.

"O cultuado filme de Mário Peixoto foi restaurado e ganhou acompanhamento musical inédito no Brasil assinado pelo compositor e pianista norueguês Bugge Wesseltoft, que vem ao país tocá-lo ao vivo durante a exibição no palco do Ibirapuera com Naná Vasconcelos, Marlui Miranda, Rodolfo Stroeter e Ola Kvernberg; Limite é também tema de debate na sede do Itaú CulturalJá".

A versão do Dimensão Experimental é bem mais curta mas já se trata de um início de quem sabe através de futuras ampliações chegarmos a um versão integral desta grande obra da história do cinema brasileiro. Por outro lado ao rever velhas fotos deparei-me com duas dos anos 90. A primeira é de 1991 (pouco antes da fundação do Dimensão Experimental) de uma apresentação no Poetar (um evento cultural literário promovido pela prefeitura de Porto Alegre em julho daquele ano)no teatro de Renascença. Na foto estão: Maurício Tibé no saxofone, Klaus Farina no piano e Paulo Pink no violão. A segunda foto é de uma antiga formação do Dimensão Experimental com: Ricardo Missel no baixo, Álvaro Sabóia na gaita de boca, Klaus Farina no piano e Fernando Silva na guitarra. Esta fotografia foi tirada em março de 1995 quando da gravação da trilha sonora dop documentário "Torres" produzido pela extinta Vídeo Puc com trilha sonora composta por Klaus Farina e interpretada pelo Dimensão Experimental. Boas festas a todos.

segunda-feira, 28 de novembro de 2011

Fotos do Ecarta Músical

Dimensão Experimental no Ecarta Musical performando "O Mito do Eterno Retorno".
Foto: Igor Sperotto

Apresentação do grupo Dimensão Experimental no Ecarta Musical em 22/10/2011. Foto: Igor Sperotto

Dimensão Experimental da esquerda para direita:
Álvaro Sabóia, Klaus Farina e José Altamiro.
Fotos: Igor Sperotto

Estamos disponibilizando algumas fotos da participação do Dimensão Experimental no Ecarta Musical de 22/10/2011. Na ocasião o Dimensão apresentou duas suítes: O Mito do Eterno Retorno (baseado na obra homônima de Mircea Eliade com uma colagem de imagens de vários filmes sobre o tema) e o Os Mistérios do Castelo de Dados (uma performance ao vivo do filme experimental de Man Ray "Lés Mystères du Chateau du Dé" de 1929). Desde já agradecemos a Fundação Ecarta e o fotografo Igor Speroto autor das imagens gentilmente cedidas. O grupo Dimensão Experimental está mudando e reformando o estúdio Tebalta que em breve será reativado.

terça-feira, 18 de outubro de 2011

Dimensão Experimental - Mito, Música, Cinema e Memória

Klaus Farina e Álvaro Saboia Foto: Igor Sperotto

Dimensão Experimental em 2010 no Teatro Bruno Kiefer Foto: Arthur Castilhos

Dimensão Experimental Foto: José Altamirio

Capa do album O Mito do Eterno Retorno do grupo Dimensão Experimental de 2009

Les Mystères du Chateau du Dé (1929) de Man Ray

Dimensão Experimental Foto: José Altamirio

O grupo Dimensão Experimental agradece a todos amigos, sinmpatizantes, patrocinadores e apoioadores que ontem (17/10/2011) compareceram e prestigiaram mais uma edição do projeto Música, Cinema e Memória, realizado no Cinebancários/Sindbancários convidando a todos para no próximo sábado a comparecerem na Fundação Ecarta (AV. João Pessoa 943) ás 18 horas com entrada franca a assistirem o grupo se apresentar no Ecarta Musical.

O Ecarta Musical do sábado, 22 de outubro, irá além dos acordes e invadirá o território da sétima arte. O grupo Dimensão Experimental, composto pelos multi-instrumentistas José Altamiro, Álvaro Sabóia e Klaus Farina, apresentará o show Dim3nsão Experimental – Mito, Música, Cinema e Memória, selecionado pelo edital da Fundação Ecarta. O espetáculo une dois projetos similares que se interligam pela música e pelo cinema, resultando em 45 minutos de projeção e performance musical.

Com uma atmosfera sonora que busca combinar tecnologia e acústica, o grupo tem como proposta a fusão do erudito e do popular com o jazz e o rock progressivo-experimental. Assim, criam uma estética própria, com sequências harmônicas, por vezes pouco convencionais, servindo-se como complemento de películas e imagens digitalizadas.

Dim3nsão Experimental – Mito, Música, Cinema e Memória é dividido em duas partes: a primeira é uma suíte homônima inspirada no livro “O Mito do Eterno Retorno”, de Mircea Eliade, com a projeção de uma colagem de vídeos feitos de partes de vários filmes em torno do tema da obra. A segunda parte, uma performance musical do filme Lês Mystères du Chateau du Dé (1929), de Man Ray, pretende resgatar um pouco da magia do cinema mudo. Em ambos os trabalhos a música é autoral e classificada em termos cinematográficos como “não diegética” e “meta diegética”.

Álvaro Sabóia | Harmonista, cromatista e tecladista, estudou música na Academia Prédiger. Acompanhou vários grupos ao longo de sua carreira, como Grinphas Trio, Quarteto Fantasma, Piolho de Cobra ― grupos jovens dos fins dos anos 70 e início dos 80. Participou ativamente do movimento Reggae Cultura nos anos 80 e 90, apresentando-se com as bandas Motivos Óbvios, Produto Nacional e Facção Brasil no extinto bar Porto de Elis. É membro fundador do grupo Dimensão Experimental, juntamente com Klaus Farina. Participou como convidado da banda Khalua, de Cachoeirinha. Fundou a banda More Beer, embrião da atual Jamarokers, com trabalhos na linha do reggae e da surf music.

José Altamirio Faleiro de Ramos | Músico e professor particular de bateria, percussão, teclado e teoria musical. Desde 2010, também é professor do projeto de musicalização infantil A Escola Dá o Tom, da Escola Municipal de Ensino Fundamental Podalírio Inácio de Barcellos, de Alvorada, onde também ensina no grupo musical Jovens Talentos. Teve passagem pelos grupos Pampa Nativo, Oh de Casa, Musical Caravelle, Quinta Dimensão, Da Bomb, Ciclo da Lua, Pintando Choro, entre outros. Participou do CD Coletânea de Bandas – Rock Zona Norte, em 1997.

Klaus Farina | Iniciou seu aprendizado de piano em casa e depois estudou música nas instituições Academia Prediger, Teclas e Cordas e Academia Miranda. Integrou vários grupos de rock, blues, progressivo e jazz, como Primavera nos Dentes, Carroça a Vapor, Neurodrama, Sigma, Grinphas Trio, Axis Mundi e Tebalta. Em 1988, compôs a trilha sonora original do documentário “Câmera Mortuária”, premiado no segundo Fest-Vídeo de Porto Alegre como melhor sonorização (esse prêmio motivou a organização do festival a criar a categoria de trilha sonora original).

No ano seguinte, trabalhando com o músico Jorge Foques, compôs o tema musical que fez parte da instalação “Oca Maloca e seus 40 segredos”, da artista plástica Maria Tomaselli. Em 1991, gravou seu disco de estreia, de forma independente, em K7: “Aniraf SualK 1991”. No mesmo ano fundou o grupo Dimensão Experimental. Em 2002, compôs e gravou junto com o músico Álvaro Sabóia a trilha do documentário “50 anos do Sesi”, e compôs e produziu com o músico e cinegrafista Yuri Victorino o álbum “Um é pouco e dois é bom”, lançado em CD pelo selo independente Toma que te mandaram Records. Em 2007, compôs e gravou a música original do documentário “A Capela Positivista de Porto Alegre”, dirigido pelo cinegrafista Yuri Victorino.

ROTEIRO
O Mito do Eterno Retorno (Farina/Sabóia) - Suíte em seis movimentos baseado no livro homônimo de Mircea Eliade
I - Groaperikie (Farina/Sabóia)
II - Arquétipos e Repetições (Farina/Sabóia)
III - A Lenda de Naylamp (Farina/Sabóia)
IV - A Regeneração do Tempo (Farina/Sabóia)
V - Ciclos Cósmicos e História (Farina)
VI - A Sobrevivência do Mito do Eterno Retorno (Farina)

Os Mistérios do Castelo de Dados - Suíte em seis movimentos (Concepção original de autoria de Klaus Farina com colaboração adicional de Álvaro Sabóia no sexto movimento)
I - Os viajantes: um jogar de dados jamais anulará a sorte (Farina)
II - Viajando a um estranho destino, um castelo (Farina)
III - Personne, personne: Les Secrets de la Peinture (Farina)
IV - Piscinema: um jogar de dados jamais anulará a sorte (Farina)
V - Minerve Casquée.(Farina)
VI - Dois passageiros que permanecerão (Farina/Sabóia)


Serviço:

Dimensão Experimental – Mito, Música, Cinema e Memória, com os músicos
Álvaro Sabóia (teclados/gaita de boca/apitos),
José Altamiro Faleiro de Ramos (percussão acústica/lira metálica/escaleta) e
Klaus Farina (teclados/guitarra/flauta de bambú/apitos/percussão e programação eletrônica)

22 de outubro | Sábado | 18h
Fundação Ecarta (Av. João Pessoa, 943, Porto Alegre)
Entrada Franca

domingo, 2 de outubro de 2011

Dim3nsão Experimental Música, Cinema Memória III e Ecarta Musical




Dimensão Experimental da esquerda para a direita: Álvaro Saboia, Klaus Farina e José Altamirio
Foto: José Altamirio

No dia 17 de outubro de 2011 (segunda), ás 19 horas vai acontecer no Cinebancários (rua General Câmara 424) mais uma edição do projeto "Dimensão Experimental - Música, Cinema e Memória" (ver matéria abaixo). Na mesma semana no dia 22 (sábado) ás 18 horas, o grupo Dimensão Experimental vai se apresentar no projeto Ecarta Musical (Fundação Ecarta, avenida João Pessoa 943) tocando a suíte "O Mito do Eterno Retorno" (baseado na obra homônima de Mircea Eliade) em sua versão integral. Na segunda parte do show, o Dimensão Experimental vai performar musicalmente o filme "Lês Mystères du Chateau du Dé" de 1929 do cineasta e artísta plástico Man Ray. Este filme é um dos que serão apresentados na terceira edição do projeto Música, Cinema e Memória que acontecerá na segunda dia 17 no Cinebancários. As duas apresentações tem entrada franca.

DIM3NSÃO EXPERIMENTAL MÚSICA, CINEMA E MEMÓRIA III

Projeto do Grupo Dimensão Experimental com patrocínio do Sindbancários leva para tela, com performance musical autoral ao vivo, vídeos experimentais de artistas dadaístas e surrealistas.
Data: 17 de Outubro de 2011 (Segunda-Feira)
Local: Cinebancários Rua General Câmara, 424.
Horário: 19 horas.
Entrada Franca

Com patrocínio do Sindbancários, CineBancários e Snoopy Bar e apoio da SEDAC, IECINE, IEM, MUSECOM, E O Vídeo Levou e Jornal Vaia, o grupo Dimensão Experimental apresenta, no dia 17 de outubro, às 19h, o projeto “Música, Cinema e Memória”. Serão projetados e performados, com musical contemporâneo próprio e ao vivo, vídeos experimentais de artistas dadaístas e surrealistas como Man Ray, Walter Ruttmann, Lotte Lendesdorff, Hans Richter e Len Lye.

Durante a ação educativa haverá um debate com as diretoras de arte Gilka Vargas e Iara Noemi, ambas atuantes do mercado audiovisual de Porto Alegre desde 1996. O encontro tem como tema a importância histórica do cinema de vanguarda, pautando a influência estética dos vídeos experimentais no cinema atual.

O projeto Música, Cinema e Memória, de autoria do grupo DIMENSÃO EXPERIMENTAL, formado por Klaus Farina (teclados/guitarras/flauta/programação eletrônica), Álvaro Sabóia (teclados, harmônica e cromática) e José Altamirio (percussão, escaleta e lira metálica), foi lançado em setembro de 2010 na Sala de Cinema Paulo Amorim da Casa de Cultura Mario Quintana. Neste ano, “Música, Cinema e Memória” acontece uma vez a cada três meses, sempre às segundas feiras no CineBancários. A primeira edição aconteceu em 14 de abril passado quando foram performados musicalmente ao vivo filmes de Man Ray, Marcel Duchamp, Ralph Steiner, Alvin Knechte e Fernand Léger. Nesta terceira edição o grupo Dimensão Experimental vai reprisar a pedido do público a performance do filme Lês Mystères du Chateau du Dé de Man Ray.


Dimensão Experimental no show "O Mito do Eterno Retorno" no Teatro Bruno Kiefer em 04/11/2010 Foto: Arthur Castilhos

OBJETIVO

A intenção do Grupo Dimensão Experimental é oferecer ao espectador através de composições contemporâneas próprias a possibilidade do contato com um dos movimentos mais criativos que se produziu na história do cinema em seus primórdios, através de filmes até pouco tempo inéditos ou desconhecidos para o publico, em sua maioria, resgatando um pouco da magia do cinema mudo, musicando alguns dos clássicos do cinema avant-garde dos anos 20.
O projeto tem por característica a ação cultural, através da projeção dos filmes e performance musical ao vivo, e de uma ação educativa com a realização de palestra e debate sobre a importância histórica do cinema avant-garde, com participação do público e de pessoas especializadas em cinema, história do cinema (historiadores, jornalistas, antropólogos, cineastas...) contextualizando-o, tendo como uma das pautas a influência da vanguarda no cinema, contrastando o passado com o presente, em especial as diferenças de paradigma da época em que eclodiu, quando as utopias e a revolução estavam na ordem do dia em contraposição com o momento atual em que estas mesmas utopias parecem esvaziadas com o objetivo de avaliar as perspectivas de um cinema experimental na atualidade por ocasião das novas tecnologias (cinema tridimensional, digital etc.).

FILMES E MÚSICAS DA III EDIÇÃO (17/09/2011)

“Tusalava” (1929) – 10 min. – Len Lye



Tusalava, foi o primeiro filme realizado na Inglaterra do neo-zelandês Len Lye, que construiu com uma técnica chamada «animação tradicional» ou «cel animation», que consiste na animação de desenhos (no caso, cerca de 4400) feitos em celulóide, onde em que cada quadro é desenhado à mão e depois fotografado. Tusalava é uma animação abstrata onde duas formas orgânicas evoluem a partir de uma relação simbiótica e parasitária. Pontos e círculos entram em contato entre si, reagem e interpenetram-se, absorvem ou separam-se das formas opositoras, criando padrões cada vez mais complexos.
O filme captura a mutabilidade da existência, a ambigüidade entre a penetração criadora e a agressão destruidora (canibalizante), a absorção e a síntese.
Podemos encontrar algumas semelhanças entre Tusalava e alguns dos filmes abstratos realizados na década de 20, por nomes como Oskar Fischinger e Hans Richter. No entanto, Tusalava distancia-se daqueles pelo fato de Len Lye ter sido muito influenciado pela arte dos aborígines australianos e do Pacífico Sul. Assim, ao combinar a arte tribal com a arte moderna, Tusalava apresenta formas mais orgânicas que os filmes de Fischinger e Richter, que eram dominados por formas mais geométricas e angulares. As formas e os padrões de Tusalava movimentam-se como se fossem entidades vivas em constante mutação, o que levou a crítica a ver no filme uma narrativa acerca das formas primitivas de vida. A despeito destas interpretações, Tusalava pode ser visto como um ensaio sobre a natureza do movimento. Len Lye procurou criar um conjunto de imagens em permanente interação que encerrassem um sentido mágico da vida e que envolvessem fisicamente os espectadores.
A London Film Society e o escritor Robert Graves financiaram a produção de Tusalava, mas as verbas disponíveis não permitiram a realização de uma versão sonorizada, pelo que, na sua estreia, em 1929, Tusalava foi acompanhado por música para piano composta pelo australiano Jack Ellitt. A música, constituída exclusivamente por padrões rítmicos e uma total ausência de melodia, era muito semelhante à que Ellitt escreveu, no ano seguinte, para a curta-metragem Light Rhythms, de Francis Bruguière. Infelizmente, a partitura original de Ellitt perdeu-se e Tusalava hoje é exibido como um filme mudo.
Em virtude de esta trilha sonora original estar perdida o grupo Dimensão Experimental compôs um tema original homônimo: Tusalava.

Música: Tusalava (Farina / Sabóia /Dimensão Experimental)
Arranjos: Dimensão Experimental

“Spiel der Wellen” (1926) – 3 min. – Lotte Lendesdorff e Walter Ruttmann

Este foi um filme publicitário produzido pela Julius Pinschewer Werbefilm em Berlin em 1926, porem não menos importante na filmografia de Walter Ruttmann, visto que ele se utilizou de sua inconfundível técnica de animação.
Spiel der Wellen, é um desenho animado de Ruttmann em parceria com Lotte Lendesdorff, uma brincadeira sobre a propagação das ondas sonoras no espaço, revelando uma vez em contato com os ouvintes, suas reações, seja de satisfação ou estranheza num momento em que o rádio começava a se consolidar como uma parte integrante do imaginário e dá vida cotidiana. Neste pequeno curta, Ruttmann e Lendensdorff provaram que era possível mesclar arte, vanguarda e publicidade numa criativa peça filmica.

Música: Brincando sob as ondas (Farina / Sabóia)
Arranjos: Dimensão Experimental

“Filmestudie” (1926) – 4 min. – Hans Richter



Hans Richter produziu em 1926 com Filmstudie uma primeira tentativa de combinar a estética dadaísta e abstração. Richter apresenta ao espectador uma colagem de imagens visando desorientar o expectador, globos oculares falsos, rostos distorcidos e formas abstratas (nenhum desses temas é tratado constantemente).
É semelhante ao trabalho de Man Ray no seu ballet de movimento que combina uma tensão entre as lúdicas formas figurativas e abstratas, tanto na exposição negativa e positiva.
Filmstudie é essencialmente um trabalho de transição de estilos variados. Uma série de dispositivos a chamar a atenção para a especificidade técnica da fotografia (exposições múltiplas e imagens negativas) também foram incluídos uma fusão bem sucedida de imagens.
Música: Arquétipos do Desejo (Farina) Arranjos: Dimensão Experimental

“Swing the Lambeth Walk (1939) – 4 min. – Len Lye



Len Lye

Swing the Lambeth Walk (1939), foi um filme de Len Lye de quatro minutos pintado à mão com acompanhamentos de cores, que simulam jogos, motivos visuais para instrumentos musicais. Linhas diagonais aparecem para introduzir frases de piano, expressar círculos, batidas rítmicas de percussão, utilizando-se de listras, ondulações horizontais que podem representar sons de guitarras, linhas verticais pintadas em vermelho, azul profundo, campos de cor verde são apresentados como formas ascendentes em cascata, alem de listras luminosas cônicas como testes visuais que fazem de Swing the Lambeth Walk uma obra de arte em movimento. Para este filme, o grupo Dimensão Experimental adaptou “Fusão Latina”, uma música do álbum “O Mito do Eterno Retorno” por se tratar de um tema onde tudo o que foi dito acima sobre os jogos e motivos visuais do filme se encaixa perfeitamente, um digno casamento entre som e imagem.
Música: Fusão Latina (Farina)
Arranjos: Dimensão Experimental

“Les Mystères du Château de Dé” (1929) – 19 min. – Man Ray





Les Mystères de Château de Dé é um filme surrealista, um jogo pitoresco improvisado de Man Ray num período em que esteve como convidado no Castelo do Conde de Noailles. O filme retrata dois viajantes partindo de Paris para a Villa Nailles, em Hyères. A jornada começa quando os dois personagens mascarados em um café à noite decidem suas ações jogando dados. As mãos são de manequim e os rostos sem detalhes. Em seguida a dupla parte em busca de seu destino, viajando pelo interior da França, chegando a um Castelo moderno porem com partes antigas. Elementos do exterior e interior do castelo são apresentados em relações de várias texturas mostrando inclusive esculturas de Pablo Picasso e Joan Miró, assim como um jardim cubista em Vila Noailles. Finalmente, somos apresentados a quatro invasores que jogando dados renunciam a sua sorte partindo para uma piscina coberta fazendo malabarismos até sumirem na tela. O Movimento da câmera externa mostra os dois viajantes chegando ao local novamente jogando dados se preparando para passar a noite levando o filme a um final abrupto. Les Myteres du Château de Dé foi o filme mais longo que Man Ray dirigiu em sua carreira.





Música: Os Mistérios do Castelo de Dados - suíte em seis movimentos (concepção original de autoria de Klaus Farina com colaboração adicional de Álvaro Sabóia no sexto movimento)
I – Os Viajantes: Um jogar de dadas jamais anulará a sorte. (Farina)
II – Viajando a um estranho destino um castelo. (Farina)
III – Personne, Personne: Lês Secrets de la Peinture. (Farina)
IV – Piscinéma: Um jogar de dados jamais anulará a sorte. (Farina)
V – Minerve Casque. (Farina)
VI – Dois passageiros que permanecerão. (Farina / Sabóia)
Arranjos: Dimensão Experimental

Pesquisa e Texto: Klaus Farina - músico, historiador, compositor e produtor cultural.

Patrocínio: Sindbancários, Cinebancários e Snoopy Bar
Apoio: SEDAC, IECINE, IEM, MUSECOM, Jornal Vaia e E O Vídeo Levou
Fonte: Grupo Dimensão Experimental com edição de Imprensa/SindBancários
www.dimensaoexperimental.blogspot.com

sábado, 24 de setembro de 2011

Música, Cinema e Memória III e Cancelamento



O grupo Dimensão Experimental vai realizar no próximo dia 17/10/2011 no Cinebancários (rua General Câmara 424)ás 19 horas com entrada franca mais uma edição do projeto Dimensão Experimental - Música, Cinema e Memória.

Cancelamento
O grupo Dimensão Experimental comunica aos amigos e simpatizantes que motivos de força maior decidiu cancelar a temporada que faria no Teatro Bruno Kiefer nos dias 5 e 6 de novembro de 2011.

quinta-feira, 22 de setembro de 2011

Música, Cinema e Memória - Len Lye




Em 17 de outubro de 2011(Segunda Feira) ás 19 horas com entrada franca o grupo Dimensão experimental vai apresentar a terceira edição do projeto Música, Cinema e Memória no Cinebancários (rua General Câmara 465). O projeto tem o patrocínio do SindBancários, CineBancário e Snoopy Bar e apoio da SEDAC - RS, IECINE, IEM, MUSECOM, E O Vídeo Levou e Jornal Vaia. Lembramos aos amiogos e simpatizantes que na mesma semana dia 22 (sábado) ás 18 horas o Dimensão Experimental vai apresentar o show "Mito, Música, Cinema e Memória" (uma mescla dos projetos O Mito do Eterno Retorno e Música, Cinema e Memória) na Fundação Ecarta.
A partir de hoje vamos apresentar matérias coletadas em sites especializados ou em livros sobre cinema experimental com biografia dos cineastas e dos filmes que farão parte desta terceira mostra.
Abrimos com Len Lye por ser um cineasta nascido na Nova Zelandia, sendo,portanto, o primeiro neste projeto que não é europeu ou norte-americano. A matéria foi publicada em "A Enciclopédia do Cinema Documentário" de 2006.

O neozelandês cineasta, pintor, escultor cinético, escritor e teórico da genética e experimental Len Lye tornou-se um artista de vanguarda líder em Londres e Nova York, ponte pré-e pós-II Guerra Mundial os movimentos e tendências. Associado com muitos grupos de arte inovadora, começando com a Sociedade de Londres, sete e cinco modernistas na década de 1920, o Movimento Internacional surrealista em 1930, e do Movimento Arte Cinética na década de 1960, Lye é mais lembrado por suas contribuições para o desenvolvimento de mão-crafted abstrato cinema. No início dos anos 1930 fez experiências com processos nova cor, como Dufaycolor e Gasparcolor enquanto pioneiro "de animação direto", um método de pintura, arranhões e stencil diretamente no celulóide do cinema. Auxiliado por comissões do Office britânico Mensagem Geral (GPO), a Companhia Imperial Tobacco, a Shell Oil e Motor Imperial Airways, sua whimsical filmes de animação da segunda metade da década de 1930 incluiu originais câmera menos técnicas, slogans publicitários e dinâmica ritmos musicais . Um individualista feroz e pensador anarquista, Lye afirmou que, "Nunca houve um grande filme a não ser que foi criado no espírito do cineasta experimental." Quando aplicado a seus filmes esforço raramente visto, mas formalmente inventiva guerra, essa afirmação ilumina contribuição Lye é sub-reconhecida ao movimento documentário britânico.
Nascido na virada do século 20 em Christchurch, Nova Zelândia, Lye estudou brevemente no Instituto Técnico Wellington em 1915 e em Canterbury Art College em 1919 antes de embarcar no exterior. Extraordinariamente inquieto e perturbado, ele passou um ano nas ilhas de Samoa polinésia em 1923, onde ele encontrou o cineasta americano Robert Flaherty, antes de serem deportados para Sydney, na Austrália, pela administração colonial de Nova Zelândia para viver dentro de uma comunidade indígena. De acordo com Roger Horrocks, "Lye trabalhou como operário e pedreiro de edifício, um mater carpinteiro, um empacotador, um mineiro, e uma camada de transporte ferroviário", bem como uma mão de fazenda enquanto em Sydney. Esses trabalhos, executados através de um semestre, desde Lye a oportunidade de absorver ainda mais suas experiências Pacífico Sul enquanto refletir e desenvolver seus interesses artísticos e teorias. Ele salvou-se algum dinheiro e passou os próximos meses explorando as instituições culturais de Sydney. Em algum lugar entre as bibliotecas da cidade e museus Lye conheceu o músico Jack Ellitt, que se tornou um grande amigo e colaborador ocasional. Ellitt mais tarde compôs e interpretou uma partitura para piano duas na pré-estréia do filme é o primeiro Lye, Tusalava (1929), e assistida com a sincronização musical de muitos filmes posteriores.
Agora 25 anos e ansiosos pela sua entrada no mundo da arte moderna, Lye "comprado" a si mesmo um emprego em um navio a vapor de 22.000 ton chamado Euridipes. Trabalhar sua maneira em torno e até o Oceano como um aparador de carvão, ele chegou em Londres, Inglaterra, em 1926. Após a reunião de artistas como os pintores Eric Kennington, John Aldridge e Nancy Nicholson, o printmaker Julian Trevelyan, e os escritores Laura Riding e Robert Graves, a carreira de Lye decolou rapidamente. "Lye, o invasor confiante, fez uma entrada dramática e dentro de um ano exibia com os principais artistas de Londres", escreve Horrocks. Com o apoio do avant-garde pintor Ben Nicholson (também um neozelandês), Lye exibiu com a Sociedade de Londres, Cinco e Sete afamado em janeiro de 1927, e mais tarde foi incluído na Exposição Internacional Surrealista de Londres em 1936.
Foi também em Londres, onde começou a rabiscar Lye com a possibilidade de filme. Horrocks como pontos fora ", A idéia de que a revolução na arte moderna tinha ainda pouco influenciado o meio do cinema foi muito em pensamentos Lye, quando ele chegou a Londres em 1926." Tusalava foi concluído poucos anos depois com o auxílio de uma subvenção da Sociedade de Cinema de Londres . Filmado com uma câmera de animação 35mm, Tusalava foi inspirado na arte indígena de culturas australiana, polinésia e Maori. O filme, extremamente enigmática, sobre "os começos da vida orgânica", desenvolve-se lentamente ao longo de 9 minutos. Ao longo de sua duração, mais de 4000 desenhos de formas celulares gerar continuamente novas formas que crescem e interagem entre si através de dois painéis distintos verticalmente formatado (um preto e um branco), evocando temas de nascimento, sexo, morte e transformação. Tusalava (a palavra Samoan que significa "a mesma coisa") conclui-se com um padrão de pulsação spirographic que, após a penetração pela língua de uma figura animal-like, provoca raios de eletricidade antes de avançar para cima (para o espectador) e consumir as duas metades do quadro.
Fascínio do filme com imagens biológicos, genéticos e simbólico pressagia palestra Lye de 1968 "A Verdade Absoluta do ácido Happiness". De acordo com Arthur Cantrill, esta "apresentação de três horas complexo foi dividido em duas partes:" Arte e Corpo "e" Arte e os genes. " É usado filmes, slides e fitas de áudio, e precisava da ajuda de três assistentes. Foi uma performance tanto quanto uma conversa. " O foco principal da palestra-seleção era a teoria idiossincrática Lye de DNA, que ele via como a fonte eo padrão de criação artística. Em sua formulação, citando o crítico de arte Clive Bell, "a arte está nos genes". Idéias estéticas são gerados pelos nossos constituição genética, que Lye ilustrado pela comparação de imagens de Le Corbusier e do trabalho de Henry Moore com as respectivas estruturas faciais. Esta relação indexical entre a essência da "ipseidade", e nossas contas realidade corporal para a criação Lye de imagens e formas que representam sentimentos corporais e de movimento, bem como seus interesses interessado em música (especialmente jazz) e dança. Lye sentido de movimento estava enraizado na física ", cinética de ritmos do corpo", e não puramente uma questão de padrões visuais.
Preocupação com o ritmo há muito unidos jazz e arte visual, cinema e literatura. Nas pinturas de Jackson Pollock gotejamento avanço, executado entre 1947 e 1950, jazz-como elementos de composição espontânea, duração unframed, linha rítmica e bem construída forma, rapidamente prestados permeiam a superfície. O pintor Lee Krasner, esposa de Pollock, descreve que, enquanto a pintura que ele "iria ficar em sulcos de ouvir seus registros de jazz - não apenas para o dia - dia e noite, dia e noite por três dias seguidos até que você pensou que iria subir no telhado ... Jazz? Ele pensava que era a única coisa que realmente criativo acontecendo neste país. " Apesar de Pollock e Krasner passou de East Village de Manhattan para uma casa em Long Island, em 1945, é fácil imaginar o jovem artista de retornar ao seu estúdio 8th Street, depois de dias e noites "flutuante em todo o topo das cidades / jazz contemplando", carregada com a inspiração e energia para pintar.
Como Allen Ginsberg, Jack Kerouac e escritores beat outros, Pollock procurou a ilusão de um presente contínuo, imitando a expressão de energia, emoção e imediatismo de jazz. Isto é igualmente verdade do trabalho de Lye. Um número de seus filmes, incluindo N. ou NW (1937, com música de Fats Waller, Howard Bob e Benny Goodman), Cor Flight (1938, música de Red Nichols e sua Cinco Centavos) e Tal Farlow (1980, com música pelo guitarrista homônimo) emprestado pistas rítmicas diretamente do as composições de jazz eram sincronizadas para. Aproximar phrasings swing ou bop, esses filmes apresentam ritmos assimétricos, fraturados e sincopado, prenunciando Lye colaborações com grupos de jazz em Ponto de Nova York Cinco em meados dos anos 1950.
A artista multidisciplinar de interesses divergentes, Lye carreira do cinema foi marcada por longos intervalos de inatividade. Ele não percebeu o seu segundo curta, o filme a marionete fantoche, Animação Experimental, até 1934, levando a sua primeira encomenda da General da Grã-Bretanha Film Unit Post Office. Contratado por John Grierson para produzir filmes promocionais para o GPO, Lye desenvolveu a sua gama de habilidades de manipulação de celulóide nas proximidades de documentaristas talentosos como Alberto Cavalcanti, Jennings Humphrey, Rotha Paul, Harry Watt e Basil Wright, e, posteriormente, o animador Norman McLaren . Lye dá uma breve descrição da animação direta:
É o meio pelo qual você diretamente etch, ou seja, zero com uma agulha, para a direita no celulóide, ou a pintura à direita para celulóide para que a cor muda. Se você sabe a animação você pode controlar este tipo de projetar direto em seu filme de celulóide e criar movimentos sob controle de forma sequencial ... Mas se você também sincronizar o acentuar visual com o som da música com acentuando dizer, uma batida rítmica, então você tem algo que você pode olhar ... Um melhora o outro, aguça o outro.
Começando com A Caixa de Cores (1935), que ganhou uma medalha de Honra no Festival Internacional de Cinema 1935, em Bruxelas, e continuando até 1940, Lye moda uma coleção de expressiva mão-trabalhada filmes, muitos dos quais ilustrados métodos raramente visto antes na meio cinematográfico. Tattoo Comércio (1937) repurposes documentário que Lye, em seguida, pintado, texto animado e padrões em stêncil. A vez descartado o material em preto-e-branco é, assim, transformado em uma matriz vibrante para multi-camadas de imagens e progressão polirrítmico. Rainbow Dance (1936), um filme publicitário para o Post Office Savings Bank, combina cenas de acção original ao vivo de um dançarino silhueta (Rupert Doone) com fundos gráfica e desenhos animados. "Pintado e desenhado por Len Lye" e patrocinado pela Imperial Airways, Cor Flight (1938) utilizou a tecnologia Gasparcolor emergindo como um modelo de fluido para avião, ventilador de onda, e de aves formas, música exótica, brincalhão som / forma conjunções, e batiks garish de amarelo, azul, vermelho e laranja. Depois de desaparecer na abstração inteiramente gráfica, aviões e nuvens re-emergir no final do filme com uma mensagem publicitária breve. Swinging a Caminhada Lambeth (1939), uma de quatro minutos, o filme Dufaycolor pintados à mão "com um acompanhamento de cor por Len Lye", jogos motivos visuais para instrumentos musicais: diagonais introduzir frases piano, círculos expressar batidas de tambor, horizontais onduladas representam licks de guitarras, linhas verticais mapa partes de base, etc vermelho primário, azul e profundo campos de cor verde são prestados por frameless ascendente formas em cascata kite, luminosa listras cônico, e batik-como testes padrões.
Semelhante a filmes Oskar Fischinger de publicidade do fine art, cinema Lye de "figuras de movimento" sublimada sua finalidade comercial, enfatizando a abstração geométrica e all-over e inscrição autoral direta. Como observa Tess Takahashi, cineastas como Lye, McLaren e Smith Harry viu animação direta como "um caminho para o artista para imbuir filme com a marca do eu essencial do cineasta ... auto [Esta], representado para Lye pela descoberta então novo de DNA, foi transmitida no processo de animação directa. " Caracterizado por um fascínio obsessivo com a cor, padrão, textura e movimento desses filmes análise iludir textual e linguagem descritiva, preferindo o registro não-verbal de percepção sinestésicos. Como obra de Stan Brakhage pintados à mão, os filmes Lye se esforçam em direção a uma condição de cinema puro. Este foco nas preocupações de médio especificidade e formal limita o leque de possíveis (literal) interpretações, e tem sido descrito como "racionalismo frio" pela diarista filme avant-garde, Jonas Mekas.
Durante os anos de guerra e no período pós-guerra Lye cessado a sua produção cinematográfica experimental. Retomando a atividade no início dos anos 50, colaborou com Lye Ian Hugo, produzindo efeitos especiais de cor para Bells of Atlantis (1952, baseado no livro de Anaïs Nin, The House of Incest), e com Cecile Starr sobre o filme Autumn Leaves (1953). Cor Cry (1952-1953), o primeiro filme Lye directos efectuados, enquanto vivia na vila de Nova York, Greenwich, provavelmente inspirados pela explosão coincidentes do cinema avant-garde americano e apela à integração racial. Tal como acontece com todos os filmes direto do Lye, Cry Color (também conhecido como The Chase Fox, depois de a canção de blues Sonny Terry usada na trilha sonora) emprega a música como um terreno para o movimento de organização. Utilizando a técnica de fotograma, vários objetos e materiais, incluindo gel transparente, fibras e tecidos texturizados, foram colocados sobre tiras de material básico de 16mm e Flash expostos. As passagens resultante de barras escuras rolando, foco suave formas ovular e amostras triangular; bandas balanço de cor sólida, malhas, cheque, ponto e padrões de tartan, e outros micro-projetos, impregnar o filme com um fluido, breezy sentimento. No entanto, ao contrário de muitos de seus Cry experimental animações cor contém um subtexto palpável social, sugerida no título e materializados em ritmos irregulares de Terry gaita e improvisada cânticos vocal e escolha Lye de cores (vermelho, tons de preto e mostarda) e objetos (especialmente lâminas de serra e corda, que, quando ampliada, assemelha-se corda). De acordo com Horrocks, Lye interpretado letras de Terry ", como os sentimentos de um escravo negro fugindo de uma multidão de linchadores do sul." Não é surpreendente, dado própria Lye de status, transitória da classe operária, fora-cultural, que ele iria se sentir empatia com a situação Africano-Americano.
* * *
Lye é cedo filmes handmade não incorporam de forma didática, institucional de mais produções de grande circulação do GPO durante o seu período formativo, nem ideologia partes Lye Grierson é corporativista social-democrata. Por outro lado, a noção de Grierson de documentários como o "tratamento criativo da realidade", juntamente com seu forte senso de responsabilidade social pode muito bem ter focado pensar Lye, quando ele começou a dirigir filmes de instrução para o Ministério da Grã-Bretanha de Informação durante a Segunda Guerra Mundial. Sua teoria de "felicidade individual Now", desenvolvido em 1941 e aperfeiçoado ao longo dos anos de guerra, fornece um contexto importante para esses filmes. Sublinhando a individualidade, a espontaneidade ea experiência artística Felicidade, Individual Agora foi concebido como uma alternativa para os apelos habituais guerra ao nacionalismo ou da religião. Apesar de documentários Lye estavam muito o produto de seu contexto de guerra, esses filmes raramente rítmica conter vestígios auteur distintos, técnicas experimentais e inovações tecnológicas que vão contra a sua formação e os objetivos de propaganda.
Partido Lye de Trabalho (1942), um filme fatia de vida sobre as mulheres que trabalham em uma fábrica de munições, foi criticado na época de seu lançamento para não ter o suficiente "valor de propaganda." Antecipando o cinéma vérité movimento, o Partido de Trabalho apresentado hand-held de câmera e um estilo discreto e observacionais. Quando a torta foi inaugurado (1941), um filme sobre como lidar com rações de alimentos, incluído diversões surrealista, um enredo imaginativo, brincalhão, e trocadilhos visuais e auditivos. Train jornal (1941), sobre a importância dos jornais em manter as pessoas informadas e na luta contra a propaganda nazista, misturada seções live-action e animação e uma empregada incomum, estilo de edição disjuntiva. Foi também o primeiro filme para imprimir duas faixas de som separadas lado a lado, um para o diálogo e um para efeitos sonoros. Matar ou ser morto (1942), um thriller psicológico pitting soldados alemães e britânicos contra o outro em um teste de habilidade e destreza, é considerado um dos melhores filmes de guerra. Inserção de elementos dramáticos em um filme de treinamento militar, matar ou ser morto demonstra a capacidade Lye para formular novos gêneros ou híbridos gênero enquanto expande os parâmetros documentário.
Cinegrafistas at War (1943), uma compilação de imagens tomadas pela Primeira Guerra Mundial ea Segunda Guerra Mundial newsreel cinegrafistas, foi última atribuição Lye para ministério britânico da Informação. Construídos no banco edição de material de arquivo, o filme ressalta a sua técnica de edição de decisiva, a capacidade especializada e abordagem profissional. Ao mesmo tempo Lye deve ter sentido alguma afinidade pessoal com seus súditos, que eram igualmente pressionado em documentário de circunstâncias de guerra.
Lye contribuição para a história do documentário continuou com seu trabalho para o programa de Louis Rouchemont do noticiário internacional, The March of Time. De 1944 até 1951 Lye trabalhou como diretor de campo para a série, dirigindo documentários curtos e seqüências de noticiário e coleta de material para as revistas de notícias mensal. Depois de mudar de Londres a Nova York em 1944 para dirigir um de Março de seis partes de atribuição de tempo no Inglês Básico com o crítico literário IA Richards, Lye subitamente encontrou-se no novo centro emergente da arte moderna. Galvanizado pela energia criativa de cena de Nova York Lye arte passou a maior parte da década de 1950 escrito e desenvolvimento de projetos de filmes comerciais e não comerciais. Sintetizar seu trabalho no cinema experimental e documental, Rhythm (1957) combina os modos de amadores e profissionais de produção. Feitas usando outtakes documentário, Rhythm pioneira TV corte jump comercial. Conjunção Africano música de percussão com imagens em preto e branco da linha de montagem da Chrysler, Rhythm foi considerado tão presciente que ganhou o Prêmio do New York TV Art Director. O fogo rápido colagem de 60 segundos é pontuada por batidas e socos-buraco, que imitam as tarefas das máquinas industriais e peças do carro circular a partir do material de origem. Sinalização de fundo Lye de colarinho azul e outro sinal sutil de seu comparecimento às questões raciais, o filme inclui e abrevia a imagem de um operário de fábrica piscando Africano-Americano.
Lye deixou de fazer filmes a partir do final dos anos 50 ao final dos anos 60, principalmente por falta de apoio financeiro. Voltando-se para um tipo diferente de movimento, em vez disso ele dedicou a maior parte de suas energias artístico da escultura. Ele se tornou uma figura de liderança no movimento de arte cinética durante esta fase. Feita a partir de delimitadora de aço, primeira escultura cinética de Lye, Fonte foi exibido em Nova York, Leo Castelli Gallery, em 1961, e seu movimento Sculptures tangíveis foram mostradas no Museu de Arte Moderna no final daquele ano. Lye finais de filmes concluídos, Radicais Livres (1979), partículas no espaço (1979) e Tal Farlow (1980) pode ser visto como uma extensão da sua prática escultórica. Todos os três foram feitos sem uma câmera riscando dirigir líder negro em 16mm, uma técnica subtrativa ele desenvolveu 20 anos antes. Originalmente lançado em 1958, a versão definitiva, revista de radicais livres foi concluída em 1979, com a ajuda de Paul Barnes e Steve Jones. Um trabalho assinatura assegurada, que Stan Brakhage chamado de "obra-prima de um quase inacreditavelmente imensa", Radicais Livres sincroniza gravados hieróglifos, as linhas onduladas horizontais e verticais de espessura variável para a música de tambor energético da The Tribe Bagirmi da África. Nada no filme é estática. "White ziggle-zag-splutter arranhões", inscrita usando uma variedade de ferramentas, incluindo pontas de flechas e viu-dentes, aparecem abruptamente, salto, quiver, e dançar junto com a batida, depois desaparecem de repente. Ocasionalmente, o plano de imagem plana é transformado em um espaço tridimensional como fluido, grosseiro formas wiry parecem girar, como se circundado por uma câmera / olho. Às vezes um denota o esboço de rapidamente passar colina coberta ou irregulares paisagem montanhosa como a linha desliza-play entre figuração e abstração sugestivos zero.
Menos conhecidas parte do companheiro aos radicais livres, partículas no espaço é um arranjo de 4 minutos de marcas inspirada cosmicamente, linhas quebradas e matrizes de pontos. Também referência suas composições de aço delimitadora, o filme é único título par sequências spinning letras com sons de esculturas cinéticas de Lye. Mais nebulosas e de forma livre do que os radicais livres, partículas no espaço é energizado por ondas de pequenos traços feitos à mão que flutuam, faísca, flicker e desintegrar-se ao som de tambores de aço. A 2 minutos Tal Farlow, completado por assistentes após a morte de Lye, afirma as suas credenciais como um fabricante de jazz filme. Linhas que se assemelham venezianas visualmente complementar de música pela Farlow guitarrista. Balançando, apoiando e partindo da batida, os padrões de scratch multiplicam fora do centro, então retiro, junte-se e desaparecem. Em forma Lye verdade, o filme parece terminar tão rapidamente como começou, deixando o espectador sedento por mais.
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Saída Lye de cinema múltiplas - 15 (ou mais) filmes experimentais que vão 1-9 minutos de duração, um número de episódios e documentários feitos para a marcha do tempo e do Ministério britânico de Informação, um punhado de anúncios de filmes, projetos incompletos, colaborações e acompanhamentos de música visual - demonstrar tanto a variedade ea coerência de sua visão artística. Ao longo de sua carreira Lye testou os limites do cinema experimental e documentário. Apesar de documentários Lye muitas vezes desmentida seu espírito anarquista e os valores de esquerda, é importante reconhecer que esses filmes eram produções colaborativas financiado por um Ministério da Informação do governo em um momento de guerra. Trabalhando dentro de um sistema de produção compartimentada, onde cada membro da equipe foi pago o mesmo e dado crédito igual, pode ser falso afirmar Lye "autoria" esses filmes. Enquanto seu trabalho no cinema documentário teve vida curta e efémera seus vestígios ainda podem ser localizados no cinema verité movimentos das décadas seguintes.
Um forasteiro cultural com a determinação, intuição e percepção para se mover dentro de vários círculos artísticos e industriais, simultaneamente, filmes Lye abriu espaço para uma arte de documentário e, alternadamente, a possibilidade de um acesso avant-garde. Inventando novas formas de fazer filmes sem uma câmera, conhecimento especializado ou equipamento extenso, ele iniciou um campo de prática artesanal tela, auto-suficiente que continua a crescer e prosperar. É importante ressaltar que seus filmes inovadores modernistas revelam que o cinema experimental pode ser um divertimento, experiência extática e prazerosa, auto-renderização de um cinema de meios limitados que não é menos valioso.

sexta-feira, 16 de setembro de 2011

DIM3NSÃO EXPERIMENTAL – MITO, MÚSICA, CINEMA E MEMÓRIA


Foto: José Altamirio

Foto Arthur Castilhos

Foto Nasa

Foto Arthur Castilhos

Foto; Arthur Castilhos






Les Mystères du Chateu du Dé (1929) de Man Ray

Caricatura de autoria de Marcus Schulten
Outubro será um mes ativo para o grupo Dimensão Experimental. No dia 17 (segunda feira) ás 19 horas no Cinebancários rua General Câmara 424 vai acontecer a terceira edição do projeto autoral "Música, Cinema e Memória" com entrada franca.
Na mesma semana grupo Dimensão Experimental apresentará na Fundação Ecarta no dia 22/10/2011 (sábado)ás 18 horas, um resumo de seus dois projetos similares, uma vez que se interligam através da música e do cinema: “O Mito do Eterno Retorno” e “Música, Cinema e Memória”, que juntos totalizam 45 minutos de projeção e performance músical. Entrada Franca

SINOPSE: do show “Dim3nsão Experimental – Mito, Música, Cinema e Memória” na Fundação Ecarta.

Com uma atmosfera sonora que busca combinar a tecnologia e acústica, o grupo Dimensão Experimental tem como proposta musical a fusão do erudito e o popular com o jazz e o rock progressivo-experimental criando com isto uma estética própria, através de seqüências harmônicas por vezes pouco convencionais servindo-se como complemento, de películas e imagens digitalizadas, podendo ser uma evocação ou assimilação das vanguardas históricas, enquanto ruptura com produções conformistas contrastando passado e presente por meio das diversas formas de expressão cultural do homem, de lado a lado com o tempo e o cotidiano.
O show é dividido em duas partes: a primeira, consiste na suíte homônima inspirada na obra “O Mito do Eterno Retorno” de Mircea Eliade, com a projeção de uma colagem de vídeos feitos de partes de vários filmes em torno do tema do livro.

A segunda parte da apresentação será performado musicalmente o filme Lês Mystères du Chateau du Dé (1929) de Man Ray que faz parte do projeto “Música Cinema e Memória”, visando resgatar um pouco da magia do cinema mudo. Em ambos os trabalhos a música é autoral e classificada em termos cinematográficos como “não diegética” e “meta diegética”.

O MITO DO ETERNO RETORNO

“O Mito do Eterno Retorno” é o título de um livro do escritor e historiador das religiões o romeno Mircea Eliade que aborda a questão da mitologia como algo forjado nas sociedades segmentarias, totalizantes; quando a sociedade ainda não é passível de separação em economia, política e religião, quando ainda não possui uma dicotomia entre tempo sagrado e profano, ou mesmo em espaço sagrado e profano. A mitologia assim transpassa e está presente em todos os momentos desta sociedade.
A Mitologia nestas sociedades é a verdade absoluta transmitida pelos “fundadores”, das respectivas culturas, num tempo anterior ao tempo que se vive. Sua veracidade e credibilidade jamais são questionadas, em outras palavras o mito vale por si mesmo.
A mitologia é responsável pelo modelo de reprodução de uma sociedade, contendo nela todo o exemplo de como se deve agir, viver e morrer, e mais, contendo ainda as respostas de como as coisas passaram a existir, ela não deve ser esquecida nunca. Dentro das narrações míticas se esconde o aspecto do inconsciente coletivo, que encerra uma verdade. Isso se dava, na medida em que tocava profundamente o homem, um ser mortal, organizado em sociedade, obrigando a trabalhar para viver, submetido a acontecimentos, nem sempre imprevistos, que independiam de sua vontade. Na medida em que estas figurações (ou arquétipos) eram retratos relativamente fiéis dos acontecimentos psíquicos, os arquétipos, ou melhor, as características gerais que se destacavam no conjunto das repetições de experiências semelhantes, também correspondiam a certas características do pensamento mítico.

“O sagrado e o profano constituem duas modalidades de ser no mundo. As concepções do ser e da realidade podem ser detectadas no comportamento do homem das sociedades pré-modernas, compreendendo estas tanto o mundo a que geralmente chamamos «primitivo» como as antigas culturas da Ásia, da Europa, da Africa e da América. As concepções fundamentais das sociedades tradicionais e em particular a recusa que elas fazem do tempo histórico, assim como a nostalgia que sentem do tempo mítico (ciclico) das origens, não deixa de constituir uma introdução a uma filosofia da história. Assim como a “Natureza” é o produto de uma secularização progressiva do Cosmos, também o homem profano é o resultado de uma dessacralização da existência humana, não podendo abolir definitivamente seu passado, porque ele próprio é produto desse passado”.
Trechos de “O Mito do Eterno Retorno” e “O Sagrado e o Profano” de Mircea Eliade.

A performance musical conta com uma projeção de de uma colagem de filmes baseadas não só na obra de Eliade mas também de uma interpretação livre e subjetiva.

MÚSICA, CINEMA E MEMÓRIA.

(Musicando obras do cinema de vanguarda da década de 20 do século XX)

Para grande parte do público, cinema experimental soa como coisa distante, inacessível. Uma experiência para iniciados. O projeto “Musica Cinema e Memória” de autoria do grupo de música instrumental DIMENSÃO EXPERIMENTAL apresentado no na Sala de Cinema Paulo Amorim na CCMQ e no CINEBANCÁRIOS desde 2010 vem mostrando que esta é uma idéia equivocada, afinal, descobrir novas possibilidades da linguagem cinematográfica é tarefa que tem acompanhado os criadores do cinema desde os primeiros tempos. Em 1911, o poeta e jornalista italiano Ricciotto Canuto, amigo de Apollinaire, Braque e Fernand Léger, publicou uma espécie de panfleto intitulado Manifesto das Sete Artes, no qual defendia, para a chamada ‘sétima arte’, total autonomia da narrativa da literatura e do teatro. O cinema, para Canuto, não usava a ‘camisa-de-força’ do roteiro. Deveria ser uma experiência livre, tanto em sua abordagem artística quanto no conteúdo.

O Avant-Garde

Após a Primeira Guerra Mundial, a intranqüilidade econômica, política e social fragmentou os pontos de vista tradicionais, possibilitando a formação de um terreno fértil no plano cinematográfico.
O crítico e escritor Louis Delluc evidenciava na França o descontentamento com filmes comerciais, enquanto os artistas de vanguarda começavam a se interessar pela linguagem cinematográfica.

”Nos dez anos compreendidos entre 1921 e 1931, desenvolveu-se um movimento artístico independente na cinematografia. Este movimento denominou-se Avant-Garde. Este movimento de arte em filme foi paralelo a movimentos nas artes plásticas tais como o Expressionismo, o Futurismo, o Cubismo e o Dadaísmo. Foi não comercial, não representacional, mas internacional”. (Hans Richter in Art and Cinema, 1947).

Foram vários os cineastas que produziram cinema de vanguarda neste período e alguns traços marcantes destacamos: o evidente interesse em não agradar nem lisonjear o gosto do público; desejo de criar algo novo a qualquer preço virando as costas a toda a tradição literária e artística; menosprezo do argumento e do enredo, em benefício da livre fantasia e da divagação poética eximida de todo imperativo estético ou moral e a busca de um surrealismo irredutível ao mundo da inteligência, da lógica e da clara consciência, que nascerá de uma utilização da linguagem cinematográfica destinada a criar o insólito. Os filmes de Avant-Garde foram algumas vezes denominados de “cinema absoluto” ou de “cinema puro” devido sua ênfase nos valores rítmicos e estéticos.
A partir de 1930, surge uma conjuntura política de regimes totalitários que defende ideais conservadores extremamente hostis a todo movimento de vanguarda. Tais governos vão encarar o Avant-Garde como uma forma degenerada de arte e muitos vão chegar a censurar as obras e perseguir os realizadores. Além disso, as amargas realidades da depressão econômica forçavam os artistas a engajarem-se sociológica e politicamente. Portanto, as perspectivas da arte de vanguarda tornam-se remotas e sombrias, fazendo com que alguns criadores abandonassem a cinematografia ou realizassem filmes de caráter comercial, migrassem para a América, ou tornarem-se clandestinos.

“Les Mystères du Château de Dé” (1929) – 20 min. – Man Ray

Les Mystères de Château de Dé é um filme surrealista, um jogo pitoresco improvisado de Man Ray num período em que esteve como convidado no Castelo do Conde de Noailles. O filme retrata dois viajantes partindo de Paris para a Villa Nailles, em Hyères. A jornada começa quando os dois personagens mascarados em um café à noite decidem suas ações jogando dados. As mãos são de manequim e os rostos sem detalhes. Em seguida a dupla parte em busca de seu destino, viajando pelo interior da França, chegando a um Castelo moderno porem com partes antigas. Elementos do exterior e interior do castelo são apresentados em relações de várias texturas mostrando inclusive esculturas de Pablo Picasso e Joan Miró, assim como um jardim cubista em Vila Noailles. Finalmente, somos apresentados a quatro invasores que jogando dados renunciam a sua sorte partindo para uma piscina coberta fazendo malabarismos até sumirem na tela. O Movimento da câmera externa mostra os dois viajantes chegando ao local novamente jogando dados se preparando para passar a noite levando o filme a um final abrupto. Les Myteres du Château de Dé foi o filme mais longo que Man Ray dirigiu em sua carreira.
ROTEIRO DO SHOW
1– O Mito do Eterno Retorno (Farina/Sabóia) - Suíte em seis movimentos baseado no livro homônimo de Mircea Eliade.
I - Groaperikie (Farina/Sabóia)
II - Arquétipos e Repetições (Farina/Sabóia)
III - A Lenda de Naylamp (Farina/Sabóia)
IV - A Regeneração do Tempo (Farina/Sabóia)
V - Ciclos Cósmicos e História (Farina)
VI - A Sobrevivência do Mito do Eterno Retorno (Farina)
Arranjos: Dimensão Experimental. Tempo aproximado da suíte: 25 min.

2 – Os Mistérios do Castelo de Dados - Suíte em seis movimentos (Concepção original de autoria de Klaus Farina com colaboração adicional de Álvaro Sabóia no sexto movimento)
I - Os viajantes: um jogar de dados jamais anulará a sorte. (Farina)
II - Viajando a um estranho destino, um castelo.(Farina)
III - Personne, personne: Les Secrets de la Peinture.(Farina)
IV - Piscinema: um jogar de dados jamais anulará a sorte.(Farina)
V - Minerve Casquée.(Farina)
VI - Dois passageiros que permanecerão. (Farina/Sabóia)
Arranjos: Dimensão Experimental. Tempo aproximado da suíte 20 min.
Tempo total estimado 45 min.

O Grupo Dimensão Experimental é constituído atualmente por:
José Altamiro – Percussão Acústica / Lira Metálica / Escaleta
Álvaro Saboia - Teclados / Gaitas de Boca (Harmônica e Cromática) /Apitos
Klaus Farina - Teclados / Guitarra / Flauta /Apitos / Ocarina / Programação / Percussão Eletrônica

terça-feira, 13 de setembro de 2011

Dimensão Experimental - Música, Cinema e Memória III


Tusalava (1929) de Len Lye


Filmestudie (1926) de Hans Richter


Les Mystères du Chateau du Dé (1929) de Man Ray

Projeto do Grupo Dimensão Experimental com patrocínio do Sindbancários leva para tela, com performance musical autoral ao vivo, vídeos experimentais de artistas dadaístas e surrealistas.
Data: 17 de Outubro de 2011 (Segunda-Feira)
Local: Cinebancários Rua General Câmara, 424.
Horário: 19 horas.
Entrada Franca

Com patrocínio do Sindbancários, CineBancários e Snoopy Bar e apoio da SEDAC, IECINE, IEM, MUSECOM, E O Vídeo Levou e Jornal Vaia, o grupo Dimensão Experimental apresenta, no dia 17 de outubro, às 19h, o projeto “Música, Cinema e Memória”. Serão projetados e performados, com musical contemporâneo próprio e ao vivo, vídeos experimentais de artistas dadaístas e surrealistas como Man Ray, Walter Ruttmann, Lotte Lendesdorff, Hans Richter e Len Lye.

Durante a ação educativa haverá um debate com as diretoras de arte Gilka Vargas e Iara Noemi, ambas atuantes do mercado audiovisual de Porto Alegre desde 1996. O encontro tem como tema a importância histórica do cinema de vanguarda, pautando a influência estética dos vídeos experimentais no cinema atual.

O projeto Música, Cinema e Memória, de autoria do grupo DIMENSÃO EXPERIMENTAL, formado por Klaus Farina (teclados/guitarras/flauta/programação eletrônica), Álvaro Sabóia (teclados harmônica e cromática) e José Altamirio (percussão, escaleta e lira metálica), foi lançado em setembro de 2010 na Sala de Cinema Paulo Amorim da Casa de Cultura Mario Quintana. Neste ano, “Música, Cinema e Memória” acontece uma vez a cada três meses, sempre às segundas feiras no CineBancários. A primeira edição aconteceu em 14 de abril passado quando foram performados musicalmente ao vivo filmes de Man Ray, Marcel Duchamp, Ralph Steiner, Alvin Knechte e Fernand Léger. A segunda edição aconteceu em 17 de julho quando o grupo Dimensão Experimental musicou ao vivo os filmes de Walter Ruttmann, Hans Richter, Viking Eggeling e Man Ray. Nesta esta terceira edição o grupo Dimensão Experimental vai reprisar a pedido do publico aperformance do filme Les Mystères du Chateuu du Dé de Man Ray.

OBJETIVO

A intenção do Grupo Dimensão Experimental é oferecer ao espectador através de composições contemporâneas próprias a possibilidade do contato com um dos movimentos mais criativos que se produziu na história do cinema em seus primórdios, através de filmes até pouco tempo inéditos ou desconhecidos para o publico, em sua maioria, resgatando um pouco da magia do cinema mudo, musicando alguns dos clássicos do cinema avant-garde dos anos 20.
O projeto tem por característica a ação cultural, através da projeção dos filmes e performance musical ao vivo, e de uma ação educativa com a realização de palestra e debate sobre a importância histórica do cinema avant-garde, com participação do público e de pessoas especializadas em cinema, história do cinema (historiadores, jornalistas, antropólogos, cineastas...) contextualizando-o, tendo como uma das pautas a influência da vanguarda no cinema, contrastando o passado com o presente, em especial as diferenças de paradigma da época em que eclodiu, quando as utopias e a revolução estavam na ordem do dia em contraposição com o momento atual em que estas mesmas utopias parecem esvaziadas com o objetivo de avaliar as perspectivas de um cinema experimental na atualidade por ocasião das novas tecnologias (cinema tridimensional, digital etc.).

SINOPSE DOS FILMES DA III EDIÇÃO (17/09/2011)

“Tusalava” (1929) – 10 min. – Len Lye

Tusalava, foi o primeiro filme realizado na Inglaterra pelo neo-zelandês Len Lye, que construiu com uma técnica chamada «animação tradicional» ou «cel animation», que consiste na animação de desenhos (no caso, cerca de 4400) feitos em celulóide, onde em que cada quadro é desenhado à mão e depois fotografado. Tusalava é uma animação abstrata onde duas formas orgânicas evoluem a partir de uma relação simbiótica e parasitária. Pontos e círculos entram em contato entre si, reagem e interpenetram-se, absorvem ou separam-se das formas opositoras, criando padrões cada vez mais complexos.
O filme captura a mutabilidade da existência, a ambigüidade entre a penetração criadora e a agressão destruidora (canibalizante), a absorção e a síntese.
Podemos encontrar algumas semelhanças entre Tusalava e alguns dos filmes abstratos realizados na década de 20, por nomes como Oskar Fischinger e Hans Richter. No entanto, Tusalava distancia-se daqueles pelo fato de Len Lye ter sido muito influenciado pela arte dos aborígines australianos e do Pacífico Sul. Assim, ao combinar a arte tribal com a arte moderna, Tusalava apresenta formas mais orgânicas que os filmes de Fischinger e Richter, que eram dominados por formas mais geométricas e angulares. As formas e os padrões de Tusalava movimentam-se como se fossem entidades vivas em constante mutação, o que levou a crítica a ver no filme uma narrativa acerca das formas primitivas de vida. A despeito destas interpretações, Tusalava pode ser visto como um ensaio sobre a natureza do movimento. Len Lye procurou criar um conjunto de imagens em permanente interação que encerrassem um sentido mágico da vida e que envolvessem fisicamente os espectadores.
A London Film Society e o escritor Robert Graves financiaram a produção de Tusalava, mas as verbas disponíveis não permitiram a realização de uma versão sonorizada, pelo que, na sua estreia, em 1929, Tusalava foi acompanhado por música para piano composta pelo australiano Jack Ellitt. A música, constituída exclusivamente por padrões rítmicos e uma total ausência de melodia, era muito semelhante à que Ellitt escreveu, no ano seguinte, para a curta-metragem Light Rhythms, de Francis Bruguière. Infelizmente, a partitura original de Ellitt perdeu-se e Tusalava hoje é exibido como um filme mudo.
Em virtude de esta trilha sonora original estar perdida o grupo Dimensão Experimental compôs um tema específico homônimo Tusalava.
Música: Tusalava (Farina / Sabóia /Dimensão Experimental) Arranjos: Dimensão Experimental

“Spiel der Wellen” (1926) – 3 min. – Lotte Lendesdorff e Walter Ruttmann

Spiel der Wellen de 1926 é uma animação do cineasta alemão Walter Ruttmann em parceria com Lotte Lendesdorff, uma brincadeira sobre as ondas do som e sua propagação revelando as reações dos ouvintes seja de satisfação ou estranheza no momento em que o rádio começa a se consolidar como uma parte integrante do imaginário e dá vida cotidiana.
Música: Brincando sob as ondas (Farina / Sabóia)
Arranjos: Dimensão Experimental

“Filmestudie” (1926) – 4 min. – Hans Richter

Hans Richter produziu em 1926 com Filmstudie uma primeira tentativa de combinar a estética dadaísta e abstração. Richter apresenta ao espectador uma colagem de imagens visando desorientar o expectador, globos oculares falsos, rostos distorcidos e formas abstratas (nenhum desses temas é tratado constantemente).
É semelhante ao trabalho de Man Ray no seu ballet de movimento que combina uma tensão entre as lúdicas formas figurativas e abstratas, tanto na exposição negativa e positiva.
Filmstudie é essencialmente um trabalho de transição de estilos variados. Uma série de dispositivos a chamar a atenção para a especificidade técnica da fotografia (exposições múltiplas e imagens negativas) também foram incluídos uma fusão bem sucedida de imagens.
Música: Arquétipos do Desejo (Farina) Arranjos: Dimensão Experimental

“Swing the Lambeth Walk (1939) – 4 min. – Len Lye

Swing the Lambeth Walk (1939), foi um filme de Len Lye de quatro minutos pintado à mão com acompanhamentos de cores, que simulam jogos, motivos visuais para instrumentos musicais. Linhas diagonais aparecem para introduzir frases de piano, expressar círculos, batidas rítmicas de percussão, utilizando-se de listras, ondulações horizontais que podem representar sons de guitarras, linhas verticais pintadas em vermelho, azul profundo, campos de cor verde são apresentados como formas ascendentes em cascata, alem de listras luminosas cônicas como testes visuais que fazem de Swing the Lambeth Walk uma obra de arte em movimento. Para este filme, o grupo Dimensão Experimental adaptou “Fusão Latina”, uma música do álbum “O Mito do Eterno Retorno” por se tratar de um tema onde tudo o que foi dito acima sobre os jogos e motivos visuais do filme se encaixa perfeitamente, um digno casamento entre som e imagem.
Música: Fusão Latina (Farina) Arranjos: Dimensão Experimental

“Les Mystères du Château de Dé” (1929) – 19 min. – Man Ray

Les Mystères de Château de Dé é um filme surrealista, um jogo pitoresco improvisado de Man Ray num período em que esteve como convidado no Castelo do Conde de Noailles. O filme retrata dois viajantes partindo de Paris para a Villa Nailles, em Hyères. A jornada começa quando os dois personagens mascarados em um café à noite decidem suas ações jogando dados. As mãos são de manequim e os rostos sem detalhes. Em seguida a dupla parte em busca de seu destino, viajando pelo interior da França, chegando a um Castelo moderno porem com partes antigas. Elementos do exterior e interior do castelo são apresentados em relações de várias texturas mostrando inclusive esculturas de Pablo Picasso e Joan Miró, assim como um jardim cubista em Vila Noailles. Finalmente, somos apresentados a quatro invasores que jogando dados renunciam a sua sorte partindo para uma piscina coberta fazendo malabarismos até sumirem na tela. O Movimento da câmera externa mostra os dois viajantes chegando ao local novamente jogando dados se preparando para passar a noite levando o filme a um final abrupto. Les Myteres du Château de Dé foi o filme mais longo que Man Ray dirigiu em sua carreira.

Música: Os Mistérios do Castelo de Dados - suíte em seis movimentos (concepção original de autoria de Klaus Farina com colaboração adicional de Álvaro Sabóia no sexto movimento)
I – Os Viajantes: Um jogar de dadas jamais anulará a sorte. (Farina)
II – Viajando a um estranho destino um castelo. (Farina)
III – Personne, Personne: Lês Secrets de la Peinture. (Farina)
IV – Piscinéma: Um jogar de dados jamais anulará a sorte. (Farina)
V – Minerve Casque. (Farina)
VI – Dois passageiros que permanecerão. (Farina / Sabóia)
Arranjos: Dimensão Experimental

Patrocínio: Sindbancários, Cinebancários e Snoopy Bar
Apoio: SEDAC, IECINE, IEM, MUSECOM, Jornal Vaia e E O Vídeo Levou
Fonte: Grupo Dimensão Experimental com edição de Imprensa/SindBancários
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