Música, Cinema e Memória - Len Lye

Em 17 de outubro de 2011(Segunda Feira) ás 19 horas com entrada franca o grupo Dimensão experimental vai apresentar a terceira edição do projeto Música, Cinema e Memória no Cinebancários (rua General Câmara 465). O projeto tem o patrocínio do SindBancários, CineBancário e Snoopy Bar e apoio da SEDAC - RS, IECINE, IEM, MUSECOM, E O Vídeo Levou e Jornal Vaia. Lembramos aos amiogos e simpatizantes que na mesma semana dia 22 (sábado) ás 18 horas o Dimensão Experimental vai apresentar o show "Mito, Música, Cinema e Memória" (uma mescla dos projetos O Mito do Eterno Retorno e Música, Cinema e Memória) na Fundação Ecarta.
A partir de hoje vamos apresentar matérias coletadas em sites especializados ou em livros sobre cinema experimental com biografia dos cineastas e dos filmes que farão parte desta terceira mostra.
Abrimos com Len Lye por ser um cineasta nascido na Nova Zelandia, sendo,portanto, o primeiro neste projeto que não é europeu ou norte-americano. A matéria foi publicada em "A Enciclopédia do Cinema Documentário" de 2006.

O neozelandês cineasta, pintor, escultor cinético, escritor e teórico da genética e experimental Len Lye tornou-se um artista de vanguarda líder em Londres e Nova York, ponte pré-e pós-II Guerra Mundial os movimentos e tendências. Associado com muitos grupos de arte inovadora, começando com a Sociedade de Londres, sete e cinco modernistas na década de 1920, o Movimento Internacional surrealista em 1930, e do Movimento Arte Cinética na década de 1960, Lye é mais lembrado por suas contribuições para o desenvolvimento de mão-crafted abstrato cinema. No início dos anos 1930 fez experiências com processos nova cor, como Dufaycolor e Gasparcolor enquanto pioneiro "de animação direto", um método de pintura, arranhões e stencil diretamente no celulóide do cinema. Auxiliado por comissões do Office britânico Mensagem Geral (GPO), a Companhia Imperial Tobacco, a Shell Oil e Motor Imperial Airways, sua whimsical filmes de animação da segunda metade da década de 1930 incluiu originais câmera menos técnicas, slogans publicitários e dinâmica ritmos musicais . Um individualista feroz e pensador anarquista, Lye afirmou que, "Nunca houve um grande filme a não ser que foi criado no espírito do cineasta experimental." Quando aplicado a seus filmes esforço raramente visto, mas formalmente inventiva guerra, essa afirmação ilumina contribuição Lye é sub-reconhecida ao movimento documentário britânico.
Nascido na virada do século 20 em Christchurch, Nova Zelândia, Lye estudou brevemente no Instituto Técnico Wellington em 1915 e em Canterbury Art College em 1919 antes de embarcar no exterior. Extraordinariamente inquieto e perturbado, ele passou um ano nas ilhas de Samoa polinésia em 1923, onde ele encontrou o cineasta americano Robert Flaherty, antes de serem deportados para Sydney, na Austrália, pela administração colonial de Nova Zelândia para viver dentro de uma comunidade indígena. De acordo com Roger Horrocks, "Lye trabalhou como operário e pedreiro de edifício, um mater carpinteiro, um empacotador, um mineiro, e uma camada de transporte ferroviário", bem como uma mão de fazenda enquanto em Sydney. Esses trabalhos, executados através de um semestre, desde Lye a oportunidade de absorver ainda mais suas experiências Pacífico Sul enquanto refletir e desenvolver seus interesses artísticos e teorias. Ele salvou-se algum dinheiro e passou os próximos meses explorando as instituições culturais de Sydney. Em algum lugar entre as bibliotecas da cidade e museus Lye conheceu o músico Jack Ellitt, que se tornou um grande amigo e colaborador ocasional. Ellitt mais tarde compôs e interpretou uma partitura para piano duas na pré-estréia do filme é o primeiro Lye, Tusalava (1929), e assistida com a sincronização musical de muitos filmes posteriores.
Agora 25 anos e ansiosos pela sua entrada no mundo da arte moderna, Lye "comprado" a si mesmo um emprego em um navio a vapor de 22.000 ton chamado Euridipes. Trabalhar sua maneira em torno e até o Oceano como um aparador de carvão, ele chegou em Londres, Inglaterra, em 1926. Após a reunião de artistas como os pintores Eric Kennington, John Aldridge e Nancy Nicholson, o printmaker Julian Trevelyan, e os escritores Laura Riding e Robert Graves, a carreira de Lye decolou rapidamente. "Lye, o invasor confiante, fez uma entrada dramática e dentro de um ano exibia com os principais artistas de Londres", escreve Horrocks. Com o apoio do avant-garde pintor Ben Nicholson (também um neozelandês), Lye exibiu com a Sociedade de Londres, Cinco e Sete afamado em janeiro de 1927, e mais tarde foi incluído na Exposição Internacional Surrealista de Londres em 1936.
Foi também em Londres, onde começou a rabiscar Lye com a possibilidade de filme. Horrocks como pontos fora ", A idéia de que a revolução na arte moderna tinha ainda pouco influenciado o meio do cinema foi muito em pensamentos Lye, quando ele chegou a Londres em 1926." Tusalava foi concluído poucos anos depois com o auxílio de uma subvenção da Sociedade de Cinema de Londres . Filmado com uma câmera de animação 35mm, Tusalava foi inspirado na arte indígena de culturas australiana, polinésia e Maori. O filme, extremamente enigmática, sobre "os começos da vida orgânica", desenvolve-se lentamente ao longo de 9 minutos. Ao longo de sua duração, mais de 4000 desenhos de formas celulares gerar continuamente novas formas que crescem e interagem entre si através de dois painéis distintos verticalmente formatado (um preto e um branco), evocando temas de nascimento, sexo, morte e transformação. Tusalava (a palavra Samoan que significa "a mesma coisa") conclui-se com um padrão de pulsação spirographic que, após a penetração pela língua de uma figura animal-like, provoca raios de eletricidade antes de avançar para cima (para o espectador) e consumir as duas metades do quadro.
Fascínio do filme com imagens biológicos, genéticos e simbólico pressagia palestra Lye de 1968 "A Verdade Absoluta do ácido Happiness". De acordo com Arthur Cantrill, esta "apresentação de três horas complexo foi dividido em duas partes:" Arte e Corpo "e" Arte e os genes. " É usado filmes, slides e fitas de áudio, e precisava da ajuda de três assistentes. Foi uma performance tanto quanto uma conversa. " O foco principal da palestra-seleção era a teoria idiossincrática Lye de DNA, que ele via como a fonte eo padrão de criação artística. Em sua formulação, citando o crítico de arte Clive Bell, "a arte está nos genes". Idéias estéticas são gerados pelos nossos constituição genética, que Lye ilustrado pela comparação de imagens de Le Corbusier e do trabalho de Henry Moore com as respectivas estruturas faciais. Esta relação indexical entre a essência da "ipseidade", e nossas contas realidade corporal para a criação Lye de imagens e formas que representam sentimentos corporais e de movimento, bem como seus interesses interessado em música (especialmente jazz) e dança. Lye sentido de movimento estava enraizado na física ", cinética de ritmos do corpo", e não puramente uma questão de padrões visuais.
Preocupação com o ritmo há muito unidos jazz e arte visual, cinema e literatura. Nas pinturas de Jackson Pollock gotejamento avanço, executado entre 1947 e 1950, jazz-como elementos de composição espontânea, duração unframed, linha rítmica e bem construída forma, rapidamente prestados permeiam a superfície. O pintor Lee Krasner, esposa de Pollock, descreve que, enquanto a pintura que ele "iria ficar em sulcos de ouvir seus registros de jazz - não apenas para o dia - dia e noite, dia e noite por três dias seguidos até que você pensou que iria subir no telhado ... Jazz? Ele pensava que era a única coisa que realmente criativo acontecendo neste país. " Apesar de Pollock e Krasner passou de East Village de Manhattan para uma casa em Long Island, em 1945, é fácil imaginar o jovem artista de retornar ao seu estúdio 8th Street, depois de dias e noites "flutuante em todo o topo das cidades / jazz contemplando", carregada com a inspiração e energia para pintar.
Como Allen Ginsberg, Jack Kerouac e escritores beat outros, Pollock procurou a ilusão de um presente contínuo, imitando a expressão de energia, emoção e imediatismo de jazz. Isto é igualmente verdade do trabalho de Lye. Um número de seus filmes, incluindo N. ou NW (1937, com música de Fats Waller, Howard Bob e Benny Goodman), Cor Flight (1938, música de Red Nichols e sua Cinco Centavos) e Tal Farlow (1980, com música pelo guitarrista homônimo) emprestado pistas rítmicas diretamente do as composições de jazz eram sincronizadas para. Aproximar phrasings swing ou bop, esses filmes apresentam ritmos assimétricos, fraturados e sincopado, prenunciando Lye colaborações com grupos de jazz em Ponto de Nova York Cinco em meados dos anos 1950.
A artista multidisciplinar de interesses divergentes, Lye carreira do cinema foi marcada por longos intervalos de inatividade. Ele não percebeu o seu segundo curta, o filme a marionete fantoche, Animação Experimental, até 1934, levando a sua primeira encomenda da General da Grã-Bretanha Film Unit Post Office. Contratado por John Grierson para produzir filmes promocionais para o GPO, Lye desenvolveu a sua gama de habilidades de manipulação de celulóide nas proximidades de documentaristas talentosos como Alberto Cavalcanti, Jennings Humphrey, Rotha Paul, Harry Watt e Basil Wright, e, posteriormente, o animador Norman McLaren . Lye dá uma breve descrição da animação direta:
É o meio pelo qual você diretamente etch, ou seja, zero com uma agulha, para a direita no celulóide, ou a pintura à direita para celulóide para que a cor muda. Se você sabe a animação você pode controlar este tipo de projetar direto em seu filme de celulóide e criar movimentos sob controle de forma sequencial ... Mas se você também sincronizar o acentuar visual com o som da música com acentuando dizer, uma batida rítmica, então você tem algo que você pode olhar ... Um melhora o outro, aguça o outro.
Começando com A Caixa de Cores (1935), que ganhou uma medalha de Honra no Festival Internacional de Cinema 1935, em Bruxelas, e continuando até 1940, Lye moda uma coleção de expressiva mão-trabalhada filmes, muitos dos quais ilustrados métodos raramente visto antes na meio cinematográfico. Tattoo Comércio (1937) repurposes documentário que Lye, em seguida, pintado, texto animado e padrões em stêncil. A vez descartado o material em preto-e-branco é, assim, transformado em uma matriz vibrante para multi-camadas de imagens e progressão polirrítmico. Rainbow Dance (1936), um filme publicitário para o Post Office Savings Bank, combina cenas de acção original ao vivo de um dançarino silhueta (Rupert Doone) com fundos gráfica e desenhos animados. "Pintado e desenhado por Len Lye" e patrocinado pela Imperial Airways, Cor Flight (1938) utilizou a tecnologia Gasparcolor emergindo como um modelo de fluido para avião, ventilador de onda, e de aves formas, música exótica, brincalhão som / forma conjunções, e batiks garish de amarelo, azul, vermelho e laranja. Depois de desaparecer na abstração inteiramente gráfica, aviões e nuvens re-emergir no final do filme com uma mensagem publicitária breve. Swinging a Caminhada Lambeth (1939), uma de quatro minutos, o filme Dufaycolor pintados à mão "com um acompanhamento de cor por Len Lye", jogos motivos visuais para instrumentos musicais: diagonais introduzir frases piano, círculos expressar batidas de tambor, horizontais onduladas representam licks de guitarras, linhas verticais mapa partes de base, etc vermelho primário, azul e profundo campos de cor verde são prestados por frameless ascendente formas em cascata kite, luminosa listras cônico, e batik-como testes padrões.
Semelhante a filmes Oskar Fischinger de publicidade do fine art, cinema Lye de "figuras de movimento" sublimada sua finalidade comercial, enfatizando a abstração geométrica e all-over e inscrição autoral direta. Como observa Tess Takahashi, cineastas como Lye, McLaren e Smith Harry viu animação direta como "um caminho para o artista para imbuir filme com a marca do eu essencial do cineasta ... auto [Esta], representado para Lye pela descoberta então novo de DNA, foi transmitida no processo de animação directa. " Caracterizado por um fascínio obsessivo com a cor, padrão, textura e movimento desses filmes análise iludir textual e linguagem descritiva, preferindo o registro não-verbal de percepção sinestésicos. Como obra de Stan Brakhage pintados à mão, os filmes Lye se esforçam em direção a uma condição de cinema puro. Este foco nas preocupações de médio especificidade e formal limita o leque de possíveis (literal) interpretações, e tem sido descrito como "racionalismo frio" pela diarista filme avant-garde, Jonas Mekas.
Durante os anos de guerra e no período pós-guerra Lye cessado a sua produção cinematográfica experimental. Retomando a atividade no início dos anos 50, colaborou com Lye Ian Hugo, produzindo efeitos especiais de cor para Bells of Atlantis (1952, baseado no livro de Anaïs Nin, The House of Incest), e com Cecile Starr sobre o filme Autumn Leaves (1953). Cor Cry (1952-1953), o primeiro filme Lye directos efectuados, enquanto vivia na vila de Nova York, Greenwich, provavelmente inspirados pela explosão coincidentes do cinema avant-garde americano e apela à integração racial. Tal como acontece com todos os filmes direto do Lye, Cry Color (também conhecido como The Chase Fox, depois de a canção de blues Sonny Terry usada na trilha sonora) emprega a música como um terreno para o movimento de organização. Utilizando a técnica de fotograma, vários objetos e materiais, incluindo gel transparente, fibras e tecidos texturizados, foram colocados sobre tiras de material básico de 16mm e Flash expostos. As passagens resultante de barras escuras rolando, foco suave formas ovular e amostras triangular; bandas balanço de cor sólida, malhas, cheque, ponto e padrões de tartan, e outros micro-projetos, impregnar o filme com um fluido, breezy sentimento. No entanto, ao contrário de muitos de seus Cry experimental animações cor contém um subtexto palpável social, sugerida no título e materializados em ritmos irregulares de Terry gaita e improvisada cânticos vocal e escolha Lye de cores (vermelho, tons de preto e mostarda) e objetos (especialmente lâminas de serra e corda, que, quando ampliada, assemelha-se corda). De acordo com Horrocks, Lye interpretado letras de Terry ", como os sentimentos de um escravo negro fugindo de uma multidão de linchadores do sul." Não é surpreendente, dado própria Lye de status, transitória da classe operária, fora-cultural, que ele iria se sentir empatia com a situação Africano-Americano.
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Lye é cedo filmes handmade não incorporam de forma didática, institucional de mais produções de grande circulação do GPO durante o seu período formativo, nem ideologia partes Lye Grierson é corporativista social-democrata. Por outro lado, a noção de Grierson de documentários como o "tratamento criativo da realidade", juntamente com seu forte senso de responsabilidade social pode muito bem ter focado pensar Lye, quando ele começou a dirigir filmes de instrução para o Ministério da Grã-Bretanha de Informação durante a Segunda Guerra Mundial. Sua teoria de "felicidade individual Now", desenvolvido em 1941 e aperfeiçoado ao longo dos anos de guerra, fornece um contexto importante para esses filmes. Sublinhando a individualidade, a espontaneidade ea experiência artística Felicidade, Individual Agora foi concebido como uma alternativa para os apelos habituais guerra ao nacionalismo ou da religião. Apesar de documentários Lye estavam muito o produto de seu contexto de guerra, esses filmes raramente rítmica conter vestígios auteur distintos, técnicas experimentais e inovações tecnológicas que vão contra a sua formação e os objetivos de propaganda.
Partido Lye de Trabalho (1942), um filme fatia de vida sobre as mulheres que trabalham em uma fábrica de munições, foi criticado na época de seu lançamento para não ter o suficiente "valor de propaganda." Antecipando o cinéma vérité movimento, o Partido de Trabalho apresentado hand-held de câmera e um estilo discreto e observacionais. Quando a torta foi inaugurado (1941), um filme sobre como lidar com rações de alimentos, incluído diversões surrealista, um enredo imaginativo, brincalhão, e trocadilhos visuais e auditivos. Train jornal (1941), sobre a importância dos jornais em manter as pessoas informadas e na luta contra a propaganda nazista, misturada seções live-action e animação e uma empregada incomum, estilo de edição disjuntiva. Foi também o primeiro filme para imprimir duas faixas de som separadas lado a lado, um para o diálogo e um para efeitos sonoros. Matar ou ser morto (1942), um thriller psicológico pitting soldados alemães e britânicos contra o outro em um teste de habilidade e destreza, é considerado um dos melhores filmes de guerra. Inserção de elementos dramáticos em um filme de treinamento militar, matar ou ser morto demonstra a capacidade Lye para formular novos gêneros ou híbridos gênero enquanto expande os parâmetros documentário.
Cinegrafistas at War (1943), uma compilação de imagens tomadas pela Primeira Guerra Mundial ea Segunda Guerra Mundial newsreel cinegrafistas, foi última atribuição Lye para ministério britânico da Informação. Construídos no banco edição de material de arquivo, o filme ressalta a sua técnica de edição de decisiva, a capacidade especializada e abordagem profissional. Ao mesmo tempo Lye deve ter sentido alguma afinidade pessoal com seus súditos, que eram igualmente pressionado em documentário de circunstâncias de guerra.
Lye contribuição para a história do documentário continuou com seu trabalho para o programa de Louis Rouchemont do noticiário internacional, The March of Time. De 1944 até 1951 Lye trabalhou como diretor de campo para a série, dirigindo documentários curtos e seqüências de noticiário e coleta de material para as revistas de notícias mensal. Depois de mudar de Londres a Nova York em 1944 para dirigir um de Março de seis partes de atribuição de tempo no Inglês Básico com o crítico literário IA Richards, Lye subitamente encontrou-se no novo centro emergente da arte moderna. Galvanizado pela energia criativa de cena de Nova York Lye arte passou a maior parte da década de 1950 escrito e desenvolvimento de projetos de filmes comerciais e não comerciais. Sintetizar seu trabalho no cinema experimental e documental, Rhythm (1957) combina os modos de amadores e profissionais de produção. Feitas usando outtakes documentário, Rhythm pioneira TV corte jump comercial. Conjunção Africano música de percussão com imagens em preto e branco da linha de montagem da Chrysler, Rhythm foi considerado tão presciente que ganhou o Prêmio do New York TV Art Director. O fogo rápido colagem de 60 segundos é pontuada por batidas e socos-buraco, que imitam as tarefas das máquinas industriais e peças do carro circular a partir do material de origem. Sinalização de fundo Lye de colarinho azul e outro sinal sutil de seu comparecimento às questões raciais, o filme inclui e abrevia a imagem de um operário de fábrica piscando Africano-Americano.
Lye deixou de fazer filmes a partir do final dos anos 50 ao final dos anos 60, principalmente por falta de apoio financeiro. Voltando-se para um tipo diferente de movimento, em vez disso ele dedicou a maior parte de suas energias artístico da escultura. Ele se tornou uma figura de liderança no movimento de arte cinética durante esta fase. Feita a partir de delimitadora de aço, primeira escultura cinética de Lye, Fonte foi exibido em Nova York, Leo Castelli Gallery, em 1961, e seu movimento Sculptures tangíveis foram mostradas no Museu de Arte Moderna no final daquele ano. Lye finais de filmes concluídos, Radicais Livres (1979), partículas no espaço (1979) e Tal Farlow (1980) pode ser visto como uma extensão da sua prática escultórica. Todos os três foram feitos sem uma câmera riscando dirigir líder negro em 16mm, uma técnica subtrativa ele desenvolveu 20 anos antes. Originalmente lançado em 1958, a versão definitiva, revista de radicais livres foi concluída em 1979, com a ajuda de Paul Barnes e Steve Jones. Um trabalho assinatura assegurada, que Stan Brakhage chamado de "obra-prima de um quase inacreditavelmente imensa", Radicais Livres sincroniza gravados hieróglifos, as linhas onduladas horizontais e verticais de espessura variável para a música de tambor energético da The Tribe Bagirmi da África. Nada no filme é estática. "White ziggle-zag-splutter arranhões", inscrita usando uma variedade de ferramentas, incluindo pontas de flechas e viu-dentes, aparecem abruptamente, salto, quiver, e dançar junto com a batida, depois desaparecem de repente. Ocasionalmente, o plano de imagem plana é transformado em um espaço tridimensional como fluido, grosseiro formas wiry parecem girar, como se circundado por uma câmera / olho. Às vezes um denota o esboço de rapidamente passar colina coberta ou irregulares paisagem montanhosa como a linha desliza-play entre figuração e abstração sugestivos zero.
Menos conhecidas parte do companheiro aos radicais livres, partículas no espaço é um arranjo de 4 minutos de marcas inspirada cosmicamente, linhas quebradas e matrizes de pontos. Também referência suas composições de aço delimitadora, o filme é único título par sequências spinning letras com sons de esculturas cinéticas de Lye. Mais nebulosas e de forma livre do que os radicais livres, partículas no espaço é energizado por ondas de pequenos traços feitos à mão que flutuam, faísca, flicker e desintegrar-se ao som de tambores de aço. A 2 minutos Tal Farlow, completado por assistentes após a morte de Lye, afirma as suas credenciais como um fabricante de jazz filme. Linhas que se assemelham venezianas visualmente complementar de música pela Farlow guitarrista. Balançando, apoiando e partindo da batida, os padrões de scratch multiplicam fora do centro, então retiro, junte-se e desaparecem. Em forma Lye verdade, o filme parece terminar tão rapidamente como começou, deixando o espectador sedento por mais.
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Saída Lye de cinema múltiplas - 15 (ou mais) filmes experimentais que vão 1-9 minutos de duração, um número de episódios e documentários feitos para a marcha do tempo e do Ministério britânico de Informação, um punhado de anúncios de filmes, projetos incompletos, colaborações e acompanhamentos de música visual - demonstrar tanto a variedade ea coerência de sua visão artística. Ao longo de sua carreira Lye testou os limites do cinema experimental e documentário. Apesar de documentários Lye muitas vezes desmentida seu espírito anarquista e os valores de esquerda, é importante reconhecer que esses filmes eram produções colaborativas financiado por um Ministério da Informação do governo em um momento de guerra. Trabalhando dentro de um sistema de produção compartimentada, onde cada membro da equipe foi pago o mesmo e dado crédito igual, pode ser falso afirmar Lye "autoria" esses filmes. Enquanto seu trabalho no cinema documentário teve vida curta e efémera seus vestígios ainda podem ser localizados no cinema verité movimentos das décadas seguintes.
Um forasteiro cultural com a determinação, intuição e percepção para se mover dentro de vários círculos artísticos e industriais, simultaneamente, filmes Lye abriu espaço para uma arte de documentário e, alternadamente, a possibilidade de um acesso avant-garde. Inventando novas formas de fazer filmes sem uma câmera, conhecimento especializado ou equipamento extenso, ele iniciou um campo de prática artesanal tela, auto-suficiente que continua a crescer e prosperar. É importante ressaltar que seus filmes inovadores modernistas revelam que o cinema experimental pode ser um divertimento, experiência extática e prazerosa, auto-renderização de um cinema de meios limitados que não é menos valioso.